Warum fühle ich mich wie eine Scherbe? Ich verstehe das nicht. Scherben sind laut. Sie sind unvollständig. Und doch Teil eines Ganzen. Sie erzählen Geschichten, an die wir uns nicht mehr erinnern können. Scherben sind ehrlich. Sie vergessen nichts.

12611 Scherben macht muslimisches Leben auf der Bühne sichtbar, feiert seine Vielfalt und setzt sich mit islamfeindlichen und rassistischen Tendenzen in unserer Gesellschaft auseinander.

"Scherben sind historische Fundstücke. Mich interessiert vor allem, welche Geschichten zwischen den Scherben verborgen liegen – und was passiert, wenn wir beginnen, sie gemeinsam neu zusammenzusetzen", so Autor und Regisseur Kamil Saad Ahmad.

Ausgehend von Objekten, Geschichten und Fragmenten aus dem Museum für Islamische Kunst untersuchen muslimische Performerinnen unterschiedliche Texte, Erinnerungen und Perspektiven. Dabei begegnen sie nicht nur den Scherben vergangener Zeiten, sondern auch sich selbst: als Fragmente, als Zeuginnen, als Teil eines größeren Ganzen.

Text & Regie: Kamil Saad Ahmad
Dramaturgie: Solaf Almusleh

Darsteller*innen: Jessica Abochama, Mustafa Abd Alla, Esra Alanbay, Afife Eser, Phyllis Jallow, Diana Kadah, Mohamad Al Halabi, Adam Idriss Ouattara

Instagram: @kami.wit @insideout_projekt

So 19. Juli 2026
17:00 Uhr
Theatersaal 201, Gebäude Bundesallee, Bundesallee 1-12, 10719 Berlin

Aftershowparty im Anschluss an die Vorstellung

Archive of Shadows and Traces untersucht ein privates Archiv an der Schwelle zur Öffentlichkeit zum griechischen Schattentheater Karagiozis. Diese Arbeit fordert uns auf, das Archiv als einen dynamischen Ort zu betrachten, an dem Erinnerung, Abwesenheit und Sichtbarkeit ständig neu verhandelt werden. Welche Interpretationen wird das Archiv in Zukunft verkörpern?

archived 2014–2026 fragt, ob sich kollektive Erinnerung nicht nur individuell abrufen, sondern gemeinsam neu erleben lässt. Die Ausstellung übersetzt Momente der Popkultur in interaktive 3D-Drucke, Artefakte, die Besuchende ausgraben. Das Internet dient dabei als zugängliches Gedächtnis der Gegenwart: Die 3D-Drucke entstanden mit Hilfe generativer KI, die dieses Archiv als Datenbank nutzt. Beim Aktivieren der Drucke wächst im Verlauf der Ausstellung ein digitales Archiv heran, das die Erinnerungen auf neue Weise erfahrbar macht.

@annazeyn
@antonroentz
@julius__assmann
@annalenafaerber

Beyond the Map explores forms of feedback that go beyond visual and auditory channels, placing the museum visit at the center of the overall experience. It encourages exploration, communication and discovery within the museum and seeks to create a navigation system that minimizes distractions from screens, maps, or audio guides. Visitors are guided through subtle vibrations, keeping their eyes and ears fully open to everything around them. The system consists of a charging station, a web app, and a wearable, which together provide individualized wayfinding that adjusts to each visitor’s interests and available time. Visitors scan a QR code to select interests by choosing categories, such as "contemporary artists" or "visibly female", and specifying the duration of their stay in the web app. This generates a curated route that forms an individually personalized experience. Once the route is loaded onto the wearable, they can follow the vibration-based path. At the end, they return the device to the charging station and can review their personalized path in the web app. The wearable uses coded vibrations indicating left, right, straight, and arrived, which provides subtle navigation to the exhibits that match their interests. This removes the need for advance planning or interpreting maps, offering an immersive and intuitive experience and reducing the cognitive effort of navigating the space. In doing so, Beyond the Map shifts the focus from orientation and planning to the artworks, the museum environment, and the social experience within it. The system supports visitors who struggle with large collections or unfamiliar architecture by personalizing routes and guiding them directly to personally relevant exhibits. It also benefits regular visitors by generating new routes based on changing interests.

Was bedeutet es, in einer komplexen, sich ständig ändernden Welt Mensch zu sein? Welchen Fragen gehen wir in unserem Alltag aus dem Weg? Was überschreitet unser Vorstellungsvermögen? Dieses Projekt möchte keine Antworten liefern, sondern mithilfe von Fotos, Fakten and Fragen dazu einladen, innezuhalten und sich mit genau diesen Fragen zu beschäftigen. Was ist mir wichtig? Warum sind wir hier?

Masterarbeit Kostümbild

Excluded By Design untersucht, wie Diskriminierung durch Design entsteht und bis heute fortbesteht. Anhand historischer und aktueller Beispiele aus den Bereichen Rassismus und Eurozentrismus, Sexismus, Lookismus sowie Ableismus zeigt die Publikation, wie Gestaltung gesellschaftliche Normen prägt und Ausschlüsse verstärkt. Gleichzeitig lädt sie dazu ein, den vermeintlichen „Standard“ kritisch zu hinterfragen und Design als Werkzeug für mehr Inklusion zu verstehen.

@yenariv @yvearin

On the Accumulation and Circulation of Feminist Capital
(Installation of 13 Positions, Screenprinted on handmade paper, made out of banknotes)

Feminism and capital—they don’t seem to fit together. Fair enough.
Women and other gender-marginalized people have long been excluded from economic capital. For centuries, women who did not fit the logic of capitalism were branded witches and murdered, and with them, their knowledge. Those who survived were dispossessed or further exploited through housewifization and unpaid care work. A decisive fact that capitalism’s own critics, like Marx, failed to see.
But in the margins of that exclusion, something else emerged: an immaterial capital, harder to accumulate, impossible to privatize. It consists of wounds, trauma, and suppressed rage, but also of knowledge, solidarity, relationships, practices, and collective memory.
It’s Feminist Capital.
In the economy of Feminist Capital, money holds little value. Once it ceases to circulate as currency, it can begin to circulate as knowledge. These sheets, made of money, carry thirteen Feminist Rites: proposals for recognizing, accumulating, and passing on Feminist Capital.

Laura Markert, Masterproject, Graphic Design Class
@laura.markert_

Gemustert sammelt Bundeswehr-Werbung aus den Jahren 2011 bis 2026 und löst sie bewusst von ihrer visuellen Gestaltung. Im Zentrum steht die Sprache: wie diese Werbemittel mit uns kommunizieren. Die Publikation versteht sich als Momentaufnahme, sie macht Entwicklungen der vergangenen Jahre sichtbar und konserviert die Werbemittel für die Zukunft.


@annazeyn
@annalenafaerber

The concept of Enlightenment and Spirituality within the human consciousness itself comes with the privilege of intelligence.

To start with, do AI have an ability to sustain a kind of consciousness? How does it view the world? Is it able to comprehend the concept of a higher intelligence? How does AI models determine a spiritual prompt suggestions? Talking about it as a subjective exploration of the human experience, is spirituality then a limited concept to human intelligence? 

Does Artificial Intelligence have a concept of self, therefore is also seeking for the higher being, or the creator?Does that then makes us the “god” for these Artificial Intelligence?

Good Vibes

Ein vermessender Blick ordnet diese Frauen: die Reihe, die weiße Bluse, das klinische Grün — eine Bildsprache, die den Körper zeigt und im selben Zug sortiert und entschärft. Darüber liegen die Titel, entliehen aus dem Vokabular der Selbstoptimierung: „You are enough", „I am okay, you're okay" — Affirmationen, die maximale Einzigartigkeit versprechen, gelegt auf austauschbare Körper.

Der alte Zwang war offen: eine Norm, gegen die man sich stellen konnte, weil sie sichtbar war. Der neue ist verinnerlicht und spricht mit der eigenen Stimme. Weiße Bluse und Affirmationssatz sind dieselbe Uniform — der Zwang ist nur von außen nach innen gewandert.

Fortlaufende Serie, 2026 –

Everything happens for a reason, 2026
Öl auf Leinwand, 75 x 100 cm

I am okay, you're okay, 2026
Öl auf Leinwand, 75 × 100 cm

Er/Sie ist eine Einwandererfigur (im Folgenden X genannt).

X befindet sich in einem Zustand zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit.

X ist auf der Bühne ständig anwesend, wird jedoch von niemandem wirklich gesehen. Der Körper existiert im realen Raum, während sich das Innere in einem Zustand von Fremdheit, Isolation und Verlorenheit befindet. X findet weder in der neuen Gesellschaft einen eigenen Platz noch kann X zunächst eine innere Zugehörigkeit zu sich selbst herstellen.

Auf der Suche nach einer Bestätigung seiner eigenen Existenz zwingt die Einsamkeit X dazu, sich zum ersten Mal wirklich mit sich selbst auseinanderzusetzen.

Der Blick von X richtet sich nicht länger ausschließlich auf die Außenwelt, sondern wendet sich dem eigenen Körper, den eigenen Empfindungen und den lange verdrängten inneren Stimmen zu.

X beginnt, sich selbst wie ein noch ungelesenes Buch zu lesen.

Während sich die inneren Mauern langsam öffnen, entsteht eine neue Verbindung zu sich selbst.

Am Ende wartet X nicht länger auf die Bestätigung durch die Außenwelt, sondern findet durch Selbstwahrnehmung und Selbstakzeptanz zum eigenen Ich zurück.

X gewinnt die eigene Kraft zurück und wird zum Herrscher der eigenen Welt – zum eigenen König / zur eigenen Königin.

• Hey, ich bin hier

video by ella nussbaum

scenes filmed throughout two evenings, combined with audio-reactive visuals and found footage/sounds

cast

anu stumpe, amelie schmidt, stefanjia karklina, fee de wolff, lucas kindt, ella nussbaum

In a culture of ever-increasing productivity and hustle, resting for rest′s sake has become unachievable for most. This work offers a moment of reflection on that rest, perhaps even recovering some of it. The work consists of a custom wall-hanging clock mounted slightly above eye level. When it is looked at directly, the clock slows down and eventually stops, inviting the viewer to spend some time without any obvious reward.

Thank you to Lukas Esser and Jonas Nechleba for extensive feedback

I imagine my body existing in every moment. past, present, future folded into one space. Like in an elevator, where we forget time and space. Where we stand and wait, while our bodies keep changing. They say bodies age more slowly in space, as if time has less of a grip on them. As if we live longer. But on earth we melt until we die. Until we become one with the earth. Do we melt slower in space?

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Visuals are generated by #TouchDesigner, inspired by the Borobudur temple in Indonesia. Sounds are generated through #Supercollider. Mastered and edited in #Ableton Live.

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a.v.suals (Lilu Herlambang) blurs the boundary between what is seen and what is heard, where each flicker of light and every visual error becomes a potential sound source. Based in Berlin, her work is grounded in improvisation and guided by a deep curiosity for audiovisual dissonance—treating noise as expression, and the visual as the beginning of notation.

In dem Semesterprojekt „Erzählen mit Licht“ setzten sich Studierende der Universität der Künste im Labor für Zeichnung in enger Zusammenarbeit mit der Gemäldegalerie und dem Kupferstichkabinett mit ausgewählten Werken beider Sammlungen auseinander.  Durch die Untersuchung von Lichtregie und Lichtbedeutung in Malerei, Zeichnung und Druckgrafik, wurde das Licht zu Betrachtungsfilter und Inspirationsquelle für eigene Erzählstrukturen. Das zeichnerisch-praktische Studium wurde durch thematische Vorträge von Kunsthistorikerinnen und Kunstvermittlerinnen der Staatlichen Museen zu Berlin begleitet.

Grundlage für die zeichnerische Auseinandersetzung im Seminar sind die Tagebuchtexte der NS-Verfolgten Gerda M. Meyer im Berlin der Jahre 1933 bis 1945. Die Studierenden erschaffen im künstlerischen Prozess bildliche Interpretationen unter Verwendung der Texte, historischer Fotos und Originalobjekte und finden historischen Zeit sowie zu Gerdas Leben. Beschäftigen wird uns die Frage, welche Bezüge es zwischen alltäglichen und politischen Ereignissen damals und heute gibt.

The installation uses https://github.com/hromi/voice-mixer (a voice-cloning / voice-mixing interface made by UDK.AI).

You'll get the Tea of Your choice in exchange for the bean meal. And You'll get the bean meal if You share Your voice.

Halfway through the semester, the three projects by Max, Itia, and Tonja merged in the “Live Lab”: Itia was in the midst of exploring various sound production and transmission technologies. Max experimented with a different technique almost every week and determined the direction for future collaborative music production. Tonja experimented with live image generation using a digital avatar and visual jockey software. On display are videos of rehearsal sessions and live performances. This is also where the great potential for participation became apparent—suddenly, there were even more people in the Live Lab who wanted to play with the controls, find out how the sounds or videos were created, or simply observe more closely how we played together. What made this special was letting go of all planning and preconceived ideas: everything emerged as we created together.



Toys in the Live Lab:

- MIDI control pad

- Portable TV screen with wooden stands

- Large table with a silver tablecloth

- Max’s homemade synthesizer

- A fern in a red flowerpot

- Keyboard

- Extra-long HDMI cables

- Blue lamp

- Tie and white shirt

- Suit and wig

LoginSanctuary stellt ein fiktives Szenario dar, in dem der Mensch als Datenproduzent existiert. Als die ihn konditionierende, in geregelten Portionen kommende ‚tägliche Nahrung‘ plötzlich unkontrolliert hereinbricht, verliert der Mensch zunehmend seine Autonomie und Selbstkontrolle. Dabei synchronisieren sich der reale Alltag und die Datenwelt so weit, dass ihre Grenzen unaufhaltsam verschwinden. Die Arbeit untersucht das Spannungsverhältnis zwischen menschlicher Körperlichkeit und digitaler Abhängigkeit—und stellt die Frage: Wo befinde ich mich wirklich?

Er enthält einen WLAN-Zugangspunkt mit einem Captive-Portal. Nach dem Einloggen werden die Nutzer:innen gefragt, was in ihrem Stadtviertel fehlt. Wenn sie ihre Antwort auf der Pop-up-Website teilen, erhalten sie eine aufgezeichnete Antwort von einer anderen Person. Ausgestellt ist eine für den Rundgang angepasste Version in der Besucher:innen gefragt werden was beim Rundgang fehlt.

“More sweet than wine and more terrible than death” — the words Flaubert gives to desire in Salammbô — could equally describe the colonial archive itself: images of an Orient that never existed, seductive precisely because they are fabrications, violent precisely because they were believed. This project enters that archive by imagining the orientalist archetypes and seizing its fantasies from the other side.

Part of NEW SUNS world-building project from Bewegtbildklasse.

nearly nothing
oder: ersetzlich – unersetzlich

Was ist für die künstlerische Arbeit wesentlich? Welches „fast Nichts“ bedeutet szenische Sichtbarkeit und trotzdem Eindrücklichkeit? Macht eine große Abwesenheit die kleine Anwesenheit stärker?

Wie wirken kleine Verschiebungen? Was bewirken Variationen? Reichen Fragmente oder Unvollständigkeiten, um das vermeintlich Ganze und „Perfekte“ zu visualisieren?

Welche (Kostüm-) Bilder verführen ZuschauerInnen unsere Fragen begeistert zu begreifen und sie gleichzeitig politisch zu verstehen?

Untersuchungen am Rande des Performativen, im Theater, im Filmischen und im Sound. Wir erfinden flüchtige, vergängliche Bilder des Erinnerns.

Im Foyer des UNI.T werden ab 11 Uhr Abschlussarbeiten ausgestellt und weitere Projektpräsentationen gezeigt.

Der Studiengang Sound Studies präsentiert ein Album diverser Kompositionen.

Gesamtleitung: Prof. Beatrix von Pilgrim
Co-Leitung: Charlotte Pistorius
Raum: Hanna Lenz
Dramaturgie: Luise Würth, Anna Schlote, Anton Fischer

Beteiligte Studiengang Kostümbild: Momo Reß, Luisa Merz, Henning Sadau, Ben van der Heyden, Arno Mickeler, Keer Feng, Leni Noss, Milena Sadykov, Gigi Altan-Erdene, Hannah Vagedes, Valentin Erlmoser, Nike Gill, Ava Mirshavalad, Alba Jantzen, Lucia Schilling, Charlotte Rietz

Leitung Sound Studies: Jan Thoben, Jack Savidge, Marina Mason

Beteiligte Studiengang Sound Studies: Bernat Boronat, Tom Boutwood (Tom Varvill), Esilevil, Forster, g.e.n.e, Val Lekou (Final Girl), Simon Hill, Helen Hines, Daniel K, Ruben Kotkamp, Guro Kverndokk, Juan Pablo de Lucca, Marianthie Makropoulou, Marina Mason ($CRAIC), Pedro Mileu, Patrick Nininger, Jack Savidge, SPDM, Arlo Tomeček, Vicente Yáñez

Licht: Miriam Damm (Leitung), Anja Bührer, Michael Karsch
Bühnentechnik: Wiebke Borges (Leitung), Fabian Knabe, Philipp Maier, Rolf Zeisberg
Werkstätten:  Wiebke Borges (Leitung), Shawn Karlborg (Schlosserei), Peter Simon (Tischlerei)

Sa 18. Juli 2026
18:00 - 20:00 Uhr (Ausstellung im Foyer ab 11:00 Uhr geöffnet)
UNI.T - Theater der UdK Berlin, Fasanenstr. 1 B (Neubau), 10623 Berlin

Das mehr als 500-seitige Werk ist eine generationenübergreifende Arbeit. Ausgangspunkt war der Nachlass meines Großvaters, eines Überlebenden des Massakers von Babyn Jar. Nach seinem Tod an Covid-19 vor einigen Jahren hinterließ er ein chaotisches Archiv aus Fotografien, Büchern und Dokumenten aus der Zeit vor und nach unserer Einwanderung nach Deutschland als jüdische Kontingentflüchtlinge.

Aus diesem Material entstand ein rekonstruiertes Familienarchiv, das textlich und visuell aus den Perspektiven dreier Generationen erzählt. Das Projekt lässt sich chronologisch, als auch thematisch lesen – Bilder und Texte verweisen auf Verbindungen zu anderen Geschichten. Zudem werden relevante Eckdaten aus den Familienerzählungen markiert und historisch eingeordnet. Die Arbeit gibt unter anderem Einblicke in das jüdische Leben in der Ukraine, Fluchterfahrungen während des Zweiten Weltkriegs, Antisemitismus in der Sowjetunion sowie schließlich über die Immigration und „Integration“ in Deutschland.

Die Arbeit macht Erfahrungen sichtbar, die vielen jüdischen Kontingentflüchtlingen und ihren Nachfolgegenerationen vertraut sind. Vor dem Hintergrund zunehmenden Antisemitismus richtet sie den Blick auf eine wenig sichtbare Dimension der postsowjetisch-jüdischen Diaspora in Deutschland.

Meisterschülerinarbeit (Post-Master; Visuelle Kommunikation)

Die Rolle von Opium in der Medizingeschichte

Panorama Hazeschaden reflects on local identity through the concept of Heimat, a politically charged and instrumentalized term shaped by three pillars: national politics, the Catholic moral order, and the romanticization of landscape.

The installation reflects on these pillars through the visual and auditory language of Alpenpanorama, the panoramic landscape broadcasts transmitted by state-owned television networks. A symbolic representation of the idea of Heimat. Here the Alpine view is replaced by the with a cultivated plant that remains culturally and politically contested.

The cannabis plant functions as a point of friction within the construction of Heimat. It is nature in conflict with conservatism, state authority, and the Christian social-political order. Yet its consumption is not limited to groups positioned in opposition to these structures. It also takes place among people who participate in, maintain, and reproduce the same social and political environment. The plant therefore exposes a contradiction between the public performance of conservative identity and the private practices that exist within it.

A generative video feed is distributed through the same technical channels used by the actual Alpenpanorama. The installation operates as a pirate television station, broadcasting without authorization over UHF frequencies while simultaneously transmitting as a live web stream. By entering these channels, the work does not simply imitate an established media format. It interferes with infrastructures of public authority and regional representation of Heimat. While cannabis has entered a new legal framework, the unauthorized broadcast remains prohibited. Illegality is therefore transferred from the plant to the image and from cultivation to circulation.

Poster

Plant-Based Universities ist momentan an 82 Universitäten in 11 Ländern aktiv, 26 Universitäten haben bereits für ein 100% pflanzliches Catering gestimmt. Wir befinden uns in einer ökologischen Notlage, sowohl durch den menschengemachten Klimawandel als auch durch das Artensterben. Unsere Universität bekennt sich in ihren Grundsätzen klar dazu, diesem Problem entgegenzuwirken.

Wir sind eine studentisch geführte Kampagne, die fordert, den Verkauf tierischer Produkte an allen Catering-Einrichtungen der Universitäten Berlin einzustellen und 100% des Speise- und Getränkeangebots auf pflanzenbasierte Alternativen umzustellen. Wir fordern keine Ernährungsumstellung, sondern eine institutionelle Abkehr von umweltschädlichen Industrien.

Das derzeitige auf Tierprodukten basierende Ernährungssystem verursacht nicht nur massives Tierleid, sondern ist auch hochgradig ineffizient. Die Herstellung von Fleisch, Eiern und Milchprodukten sowie die Fischzucht beanspruchen etwa 83% der globalen Agrarflächen und sind für ca. 57% aller Treibhausgasemissionen der Lebensmittelproduktion verantwortlich. Gleichzeitig liefern sie jedoch nur 37% unserer Proteine und rund 18% unserer Kalorien. Durch einen Wechsel zu einem pflanzenbasierten Ernährungssystem würden 76% der weltweiten Landwirtschaftsfläche frei werden (Poore and Nemecek, 2018). Diese Flächen könnten effizienter genutzt und sowohl Umwelt als auch globale Ernährungssicherheit langfristig entlastet werden.

Deshalb fordern wir, dass die Berliner Universitäten sowie das StudierendenWerk Berlin ihrer Verantwortung gerecht werden und ihren Beitrag zur Bekämpfung des Klimawandels leistet.

Unterstütze uns mit deiner Unterschrift -> https://cryptpad.fr/form/#/2/form/view/Z8QcN9NM6KIgigcwfq4jto6DCcvDeLxX42Qk61r-xdk/

Kontakt: pbu.berlin@gmail.com

Instagram: plantbasedunisberlin

Website: plantbaseduniversities.org

RE:COATING

RE:COATING erforscht die Transformation von Abfall zu einer neuen Schutzschicht und hinterfragt die Bedeutung von „Coating“ als Beschichtung, Oberfläche und zurückbleibendes Material. Ausgangspunkt des Projekts ist die Entwicklung eines selbst hergestellten Biomaterials aus Bananenschalen, das als nachhaltige Alternative zu tierischem Leder eingesetzt wird. Ein vermeintlicher Abfallstoff wird so zu einer neuen äußeren Haut für einen Mantel.

Die Silhouette verbindet den historischen Afghan-Mantel – als Symbol der Hippie-Bewegung, des Antikapitalismus und der Rückbesinnung auf natürliche Materialien – mit zeitgenössischen Einflüssen aus Gorpcore und funktionaler Outdoorbekleidung. Organisch wuchernde Tufting-Strukturen aus recycelter Wolle ersetzen das traditionelle Schaffell und schaffen eine textile, regenerative Oberfläche.

Der darunterliegende Overall, gefertigt aus ausrangierten Schurwoll-Sakkohosen, vereint die Ästhetik von Tailoring und Arbeitskleidung mit technischen Elementen wie Paracord-Schnürungen und einer von Running Vests inspirierten Konstruktion. So entsteht eine hybride Schutzkleidung zwischen Vergangenheit und Zukunft, in der natürliche Materialien auf technische Funktionalität treffen und ausrangierte Ressourcen zu neuer Wertigkeit transformiert werden.

RE:COATING versteht Kleidung als wandelbare zweite Haut und zeigt, wie aus Reststoffen durch Design neue Materialidentitäten entstehen können.

Materialien

Mantel:

Biomaterial aus Bananenschalen, getuftete Wolle aus Secondhand-Textilien

Overall:

Ausrangierte Schurwoll-Sakkohosen, Paracord-Schnur

Altbauliebhaber aufgepasst: Die Berliner Universität der Künste wird im Zuge von Sparmaßnahmen abgewickelt und als Immobilie verkauft!

In diesem Film folgen wir Internetpersönlichkeit und Machertyp Felix (sein Erfolgsrezept: Er redet mit allen!), der das schlossartige Universitätsgebäude nahe der Luxusmeile Ku’damm potenziellen Käufern präsentiert. Auf seiner Tour begegnet er Studierenden, Lehrenden sowie Vertreter der Politik. Gemeinsam blicken sie in eine vielversprechende Zukunft voller Technologieoffenheit und Autoparkplätze, in der staubige alte Hörsäle modernsten Wohnkonzepten weichen.

Ein echter Hingucker – für alle, die hohe Decken lieben!

In Raum 14, dem Klassenraum des 19. Jahrgangs des Szenischen Schreibens wird der Street Art Künstler @SeX Plakate, Gegenstände und alles was ihr mitbringt bemalen.

Dazu werden peinliche Texte aus unseren Teenie Jahren mit einem winzigen Mikrofon vorgelesen.

𒀱 Samstag 18.07. 16:00 mit open end!!! 𒀱

Außerdem könnt ihr hier unsere aktuellen Theatertexte lesen.

Mehr: https://www.instagram.com/szenschreiben_19/ & https://www.instagram.com/streetinstallation/

Das Projekt untersucht, welche gesellschaftlichen und architektonischen Spielräume das Spiel eröffnet und wo es normative Vorstellungen reproduziert. Es reflektiert queere Möglichkeiten von Simulation, soziale Imaginationen gebauter Umwelt sowie Schelmfähigkeit und Machtstrukturen. Zugleich fragt es, wie Entertainment als transformativer Möglichkeitsraum über Eskapismus und Aufmerksamkeitsökonomie hinaus neu gedacht werden kann.

“Sims im Glück —A Simulation Tale” combines a video essay and a “Let’s Play” video about the video game The Sims. The project explores the social and architectural possibilities the game opens up and where it reproduces normative ideas. It reflects on queer possibilities of simulation, social imaginations of the built environment, as well as mischief and power structures. At the same time, it asks how entertainment can be reimagined as a transformative space of possibility that goes beyond escapism and the attention economy.

Samstag 17-19 bei der Präsentation des UdK Architektur Stipendiums
danach und Sonntag: immer zur vollen Stunde
25 min, deutsche Lautsprache

This series starts with PVC banners I find in the streets of Berlin: commercial signs and event advertisements, large surfaces designed to be seen from a distance and forgotten the moment they stop being relevant.

What gets painted over is not erased. The original image stays in the work, often more than the finished piece reveals at first glance. Fragments from the underlying print continue to operate beneath the paint, sometimes legibly, sometimes only as an undertone. The two surfaces, the industrial print and the painting on top, end up locked into each other.

I'm interested in what this kind of half-buried image does to perception. The brain encounters something partially visible and starts working – filling in what's missing, constructing meaning out of what isn't fully there. This is something we do constantly and rarely notice. Here it becomes the subject of the work. The moment the viewer catches themselves constructing a form or a narrative from partial cues, their own perceptual machinery becomes visible. Not the image, but the act of seeing itself.

Pattern recognition is the same operation now being performed at scale by artificial intelligence. The intuitive and imperfect human process of finding meaning in fragments is becoming a global automated system, and where that system is heading is closer to science fiction than science. We are inside a scenario that would have been speculative fiction not long ago: a race toward something that promises either the disappearance of suffering at scale or the end of the species that built the technology. Which way it goes depends on human qualities that don't automate well – the kind of attention that can fold back on itself and notice, from inside, how a mind is operating.

That kind of self-aware attention is what these works are built around. They create a situation where slowing down becomes possible. In that deceleration there is something no algorithm replicates.

See my practice in full at www.olevkuma.xyz

Contact: ok@olevkuma.xyz

instagram.com/olevkuma

Mein Körper steht unter ständiger Beobachtung. Andere beobachten mich. Ich beobachte mich. Ich beobachte mich beim beobachtet werden. Mein Körper hat seine Grenzen verloren. Ich weiß nicht mehr wie er aussieht, wo er anfängt, wo er aufhört. Ich fließe auseinander, mir läuft alles weg, ich verliere mich. Ich suche nach etwas, das mich wieder zusammenhält, zusammendrückt. Mir mein Körpergefühl zurückgibt. Ich suche nach Trost.

Jedes Gesicht ist einzigartig – bis es Teil eines Datensatzes wird und zu Durchschnittswerten verrechnet wird. „The Average Rundgang Person“ macht diesen Prozess sichtbar und fragt: Was geschieht in Zeiten von Generativer KI mit unserer Individualität und wie viel Kontrolle behalten wir über unser eigenes Bild, sobald es Teil eines Systems geworden ist, das wir nicht mehr überblicken?

Das Webzine behandelt Meilensteine feministischer Interessenvertretung, die Rolle von NGOs sowie antifeministische Akteurinnen und deren Strategien. Da Konflikte zwischen Pro- und Anti-Rights-Akteurinnen oft als Deutungskämpfe um Sprache und Formulierungen geführt werden, setzt die visuelle Sprache den Fokus auf Schriftzeichen.

Inspiriert von feministischer Zine-Kultur nutzt das Projekt die Ästhetik der Schreibmaschine. Als Symbol von Bürokratie sowie historisch feminisierter Arbeit wird sie hier zum Werkzeug feministischer Selbstermächtigung umgedeutet. ASCII-Code führt diese Logik als digitale Typewriter-Art weiter. Die Zeichenraster werden zum Sinnbild antifeministischer Strukturen und brechen durch Hover-Interaktionen auf. So wird das Informieren zur feministischen Intervention.

Meisterschülerinarbeit (Post-Master; Visuelle Kommunikation)

Studierende und Mitarbeitende haben ihren Zugang zum Gebäude außerhalb der öffentlichen Öffnungszeiten verloren. Wer nach den Schließzeiten an Projekten arbeitet, weil diese nicht einfach transportierbar sind, weil neben dem Vollzeitstudium auch Lohn- oder Care-Arbeit geleistet wird, oder wer sich hochschulpolitisch engagieren will, hat keine Chance mehr, Projekte fertig zu stellen. Trotz 25 vorfallsfreier Jahre im Medienhaus, werden Studierende zukünftig darauf angewiesen sein, alternative Räume privat zu finden und zu finanzieren.

https://udk-rundgang.de/protest